Дебютный альбом группы Всестанции: импровизируй и получай удовольствие!

Все альбомы группы Balthazar от худшего к лучшему

Накануне киевского концерта группы мы пообщались с его поклонниками и узнали, что они думают о его полноформатные релизы

Блог о Музыке

Блог о Музыке

Накануне киевского концерта группы мы пообщались с его поклонниками и узнали, что они думают о его полноформатные релизы

У бельгийской инди-группы Balthazar очень теплые отношения с украинской публикой. Впервые тогда еще не слишком известные музыканты приехали в Киев не так давно, в 2016, и уже тогда собрали приличную аудиторию. Тогда же бельгийцы выступили на Zaxidfest, а три года спустя устроили аншлаг в столичном Bel` Etage. И это даже не считая многочисленных приездов в Украину сольных проектов участников группы. И каждая такая встреча получается особенной, не похожей на другие.

Уже совсем скоро бельгийцы снова приедут к нам, чтобы презентовать в Киеве свою свежую пластинку Sand. По этому случаю мы пообщались с их украинскими поклонниками и попросили их оценить релизы Balthazar от менее до более любимого.

5. Sand

Нынешний альбом Balthazar, на котором они оставили все свои узнаваемые фишки в звучании и упростили все остальное. Sand — история не про кучу хитов, а о камерной, спокойной и пышной инди-поп музыке. Создавался альбом сразу в концертном туре, потому что группа хотела максимально точно передать свои ощущения от игры на сцене. Это творческая свобода, утонченная легкость и особый сценический кураж. Все эти ощущения можно услышать на альбоме, который, как хорошее вино, раскрывается со временем. А также с живыми и эмоциональными выступлениями бельгийцев.

4. Fever

Пластинка, которая «настаивалась» целых четыре года, пока вокалисты Balthazar Йинте Депре и Маартен Девольдере развлекались на своих сольных проектах J.Bernardt и Warhaus соответственно. Маартен углубился в томную эстетику нуара, в то время как Йинте экспериментировал с электронными инструментами и ритмом. В итоге они объединили свои наработки и создали кардинально новую пластинку в контексте Balthazar. Она одновременно танцевальная и глубокая, ритмичная и нежная. «Какое-то время Balthazar был хорошей рок-группой, но с Fever стало ясно, что он может стать великим», — говорили музыкальные критики и неоднократно называли Fever лучшей пластинкой группы.

3. Applause

Дебютный релиз артистов, произошедший в далеком 2010-м. На его запись ушло 6 лет и несколько изменений состава коллектива. Однако старания не остались без внимания: альбом получил премию «Best Album 2010» от Music Industry Award и теплые фанатские отзывы.

Драматический блюз, ретро-эстетика и хоровые запевы всех участников группы, смогли найти своего слушателя. Наконец Applause — это прочный и зрелый дебют, который закрепил за бельгийцами статус мастеров европейской инди-сцены. Треки с пластинки, как, например, The Boatmen или Blood like wine, до сих пор частые гости на концертах группы и тепло воспринимаются публикой.

2. Rats

Вторая пластинка группы, ставшая их билетом на большую сцену. Именно после выхода этого альбома Balthazar открывали концерт Muse и ездили в тур вместе с Editors. Оно и не удивительно, ведь на Rats бельгийцы играют с динамикой и роскошными аранжировками, напоминающими барочное искусство. Однако весь альбом пропитан единой мрачной линией, которая делает его похожим на долгое 40-минутное путешествие.

1. Thin Walls

Наконец мы подошли к наиболее любимому слушателями альбому Balthazar. Thin Walls вышел в 2015-м году и подарил миру безоговорочный хит группы — Bunker. Это в некотором смысле квинтэссенция творчества музыкантов, прекрасная в своей элегантной меланхоличности и мелодичности. Да и кроме Bunker на пластинке достаточно узнаваемых песен, которые ждут фанаты на живых выступлениях группы: Decensy, Then What, I Looked for you и т.д. На пластинке Balthazar окончательно сформировали себе образ «группы, где поют абсолютно все». А также группе, чьему таланту к написанию интересных и цепких мелодий можно разве что позавидовать.

Обычно концерты Balthazar — это микс треков со всех альбомов, который подкрепляется живой харизмой музыкантов и искренним драйвом. Артисты могут на ходу придумывать новые аранжировки, вставлять соло и импровизировать, делая каждое свое выступление уникальным. Одно только известно: перформанс группы не стоит пропускать!

Концерт состоится 18 сентября на ЮБК. Поторопитесь, ведь в связи с карантинными ограничениями билетов будет всего 1 000!

«Мы никогда не играли металкор». Краткая история Trivium

Trivium существует уже больше двадцати лет, все это время не теряя форму и фанатов. С ранних лет группа греет гигантов вроде Iron Maiden, стабильно собирает любые площадки, выпускает альбомы. Это с одной стороны. С другой же — группа куда круче и интереснее, чем о ней думает стоящее в стороне от тру-фанатов большинство. А все потому, что к Trivium в нулевых приклеился ярлык «кор-щит». А ведь группа к нему отношения не имеет. К выходу нового альбома разбираемся, что за музыку играют Trivium на самом деле.

Группа образовалась в Орландо в 1999 году. Вокалист и гитарист Мэтт Хифи — единственный участник, оставшийся с тех времен.

Окончательный состав Trivium сформировался только в 2004 году, тогда к группе присоединился басист Паоло Грегоретто. Годом ранее в состав влился гитарист Кори Больё. Впоследствии текучка у группы была была только на должности барабанщика. Но последние три года в Trivium стабильно барабанит молодой ударник Алекс Бент.

Как и большинство лучших рок-групп планеты, о чем я говорил уже много раз, Trivium — это банда, основанная школьниками. Мэтту Хифи вообще было всего тринадцать лет, когда его взяли в группу. Сначала только в качестве гитариста, под впечатлением от его кавера на «Металику» на школьном шоу талантов. Вокалистом он стал чуть позже, в ходе первых перемен состава.

Название Trivium группа получила сразу. На латыни это означает «пересечение трех дорог». Это символизирует музыку группы: смесь металкора, мелодик дэт-метала и треша. Впрочем, далее все эти теги я буду давать только чтобы составить общее представление о группе. Потому что сам Хифи в одном из интервью четко обозначил, как он и вся группа относится к жанрам музыки:

Мы никогда не играли металкор. И никогда не играли треш. Мы всегда были просто метал-группой. И каждая наша новая пластинка отличается от предыдущей, но она по-прежнему остается металом. Просто металом.

Спустя пару лет после основания Trivium заинтересовали немецкий лейбл Lifeforce и в 2003 году выпустили дебютный альбом — Ember to Inferno.

Вот дебютник у группы был сильно металкорным — тут и спорить нечего. Это не удивительно, учитывая, что жанр в то время уже сильно разогрелся и приготовился стать мейнстримом в тяжелой музыке. Диск хоть и сделал группу заметной, но прессу собрал не лучшую. Trivium сразу столкнулись с обвинениями во вторичности. Дескать, пацаны (тому же Хифи тогда было 17) отработали только актуальную повестку. Записали нормальный металкор с вкраплениями дэткора и брейкдаунами, а своего ничего не добавили. Главные хиты диска — Pillars of Serpents и Embers to Inferno. Они же лучше всего демонстрируют звук группы в те годы.

Читайте также  Группа Браво на фестивале НАШЕСТВИЕ 2016

Но даже на дебютнике Trivium среди большинства выделялись как минимум текстами. Вместо фокуса на личных переживаниях, Хифи сосредоточился на поэтичности, эпичности и отдельных историях-притчах. В 2016 альбом перевыпустили, включив в состав все бонус-треки и песни с EP и демо-записей, которые были сделаны еще до дебютника. Материала набралось аж на два часа. В 2020 году, на волне ностальгии, эту слушается даже приятнее, чем в момент выхода.

Уже на втором альбоме Trivium сильно ушли от металкора, добавив в свой звук больше треш-метала.

Это тоже неудивительно, учитывая, что среди главных источников вдохновения для группы присутствуют Metallica и Testament. А еще Хифи очень любит классический хэви-метал, Оззи Осборна и In Flames, поэтому в сторону мелодик дэта и хэви группа тоже начала усиливаться. Второй альбом Trivium — Ascendancy — вышел в 2005 году и стал настоящей классикой мелодик металкора. Даже несмотря на то, что музыканты банды зарядили альбом треш-метал-риффами и бластбитами, а брейкдауны заменили мелодичными соляками. Здесь даже отличный кавер на Master of Puppets есть. Впрочем, «мелодик металкор» всегда был довольно размытым понятием. Да и конкретно на этом альбом Хифи много и откровенно пел о собственных переживаниях, что духу времени соответствовало.

На этом же альбоме была представлена самая известная песня группы — Dying in Your Arms. Она, наравне с Forever от As I Lay Dying, Tears Don’t Fall от Bullet for My Valentine и многими другими, стала олицетворением эпохи эмо-металкора. Отчасти из-за этого металкор-ярлык к банде и приклеился. Это и плохо и хорошо одновременно. Среди фанатов жанра такая слава добавляет популярности. Но к концу нулевых металкора была слишком много. Он был таким однообразным, что за пределами «тусовки» быть в рядах жанра считалось зашкваром. Ненавидеть Trivium во второй половине нулевых было довольно модно, сильнее огребали только Bring me the Horizon, Avenged Sevenfold и Attack Attack!.

Следующие альбомы Trivium отошли от металкора максимально далеко: он проступает лишь в отдельных песнях.

На альбоме The Crusade 2006 года треш-метал окончательно стал фундаментом звука Trivium. Забавно, как одну и ту же группу обвиняли и во вторичном металкор-звучании, и в попытках подражать «Металике». Впрочем, The Crusade местами действительно сильно напоминал Metallica времен Master of Puppets. Треш-метал-риффов стало еще больше, скорость игры музыкантов увеличилась, а Мэтт Хифи начал чаще петь в манере Хэтфилда. Скриминга и гроулинга при этом стало сильно меньше. В то же время в отдельных песнях группа тяготела к романтической мелодичности в духе хэви из восьмидесятых. А иногда подрубала настоящий сатанизм с бластбитами и пентатоникой.

Пика в этом звуке группа достигла на следующем альбоме — Shogun 2008 года. Титульную песню Хифи еще долго называл лучшим треком, когда-либо записанным группой. Что забавно, вопреки названию, большая часть песен на диске была посвящена греческой мифологии. Но и японские мотивы и темы там тоже были. Для Хифи это стало возможностью отдать должное своему происхождению, ведь он наполовину японец и даже родился в Японии.

Начиная с альбома In Waves 2011 года группа стала еще мелодичнее, сосредоточилась на чистов вокале, а в аранжировки начала подмешивать прогрессив.

А если зарываться совсем глубоко, то на диске и отголоски возрождающегося ню-метала можно заметить. Но его самое сильное отличие от предыдущих работ группы все же в более сложных, прогрессивных риффах. Пожалуй, именно с этого диска нет смысла пытаться однозначно определять жанры внутри музыки Trivium и ограничиться термином модерн-метал. Хифи постоянно повторяет, что группа просто пишет музыку, не задумываясь о том, чего же они в этот раз хотят в нее подмешать:

Мы никогда не хотели повторять других артистов. Многие группы оперируют одинаковыми ингредиентами, создавая альбом за альбомом. Мы же всегда говорим нашим поклонникам, что мы именно та группа, звучание которой невозможно предсказать с каждым новым релизом.

К тому же на конечный звук каждой пластинки влияет масса факторов. Так, последовавший в 2013 году альбом Vengeance Falls продюсировал вокалист Disturbed Дэвид Дрейман. Это не могло не отразиться на его звучании: еще больше поп-мелодий на припевах, восточные мотивы и привкус пост-гранжа с ню-металом. А в 2014 году Мэтт сильно повредил связки и долгое время не мог использовать экстрим-вокал. Был риск того, что он вообще больше не сможет скримить и гроулить. Поэтому на диске Silence in the Snow он поет только чистым голосом. Разумеется, это сильно сказалось на звучании альбома. Группе фактически пришлось импровизировать и пересматривать свои планы на песни:

Я не мог полностью расправить крылья. То же самое было с ударнымиМэт Мадиро не мог играть на пределе своих возможностей. Он хорош в своем стиле, но ни он, ни я не могли работать на полную. Мы были уязвимы на двух фронтах.

Альбом The Sin and the Sentence 2017 года и свежий What the Dead Men Say показывают желание группы вернуть былую тяжесть, но не растерять мелодику Silence in the Snow.

Мэтт Хифи восстановил голос и подтянул свои навыки экстрим-вокала, так что группа на обоих дисках снова нырнула в элементы грува, блэка и мелодичного дэт-метала. Дикие вопли под бластбиты вернулись, но романтика скованного ограничениями Silence in the Snow осталась. Лучшие примеры — песня The Wretchedness Inside и вдохновленная ранними альбомами группы (возвращающая 2007-й) The Defiant с последнего альбома.

Главная же особенность нового альбома в том, что большая часть текстов и музыки написана басистом Паолом Греголетто. Раньше почти все сочинял Мэтт Хифи. Паоло вдохновлялся миром вокруг и большим массивом прочитанных им книг. А название для диска и титульной песни позаимствовал у рассказа Филипа Дика. Но научной фантастики на альбоме нет, он посвящен актуальным проблемам общества: зависимостям, брошенным людям, страху. Греголетто подробно описал каждую песню в комментариях для Apple Music на странице альбома.

Так что же Trivium в итоге играют? Метал. Тяжелый, качающий метал.

Гид по альбомам Portishead: от худшего к лучшему (ну, почти)

Portishead ненадолго вернулись, чтобы впервые выпустить на стримингах свой кавер «SOS» Abba. Будет ли новый альбом, неизвестно. Да и не особо важно. По просьбе «Афиши Daily» Кристина Сарханянц («Слова с Музыкой») исследует творчество одной из главных групп девяностых

В начале июля британская группа Portishead эксклюзивно выпустила на платформе Soundcloud кавер-версию хита шведского поп-ансамбля ABBA «SOS» — песня в исполнении бристольцев впервые стала доступна для свободного прослушивания на крупном стриминге. Также Portishead и SoundCloud пообещали сделать взнос в британский благотворительный фонд по охране психического здоровья Mind.

Portishead записали свою версию шлягера ABBA для саундтрека к фильму Бена Уитли «Высотка», экранизации одноименного романа Джеймса Балларда 1975 года. Фильм вышел в российский прокат в апреле 2016-го, а в конце июня на официальном канале Portishead в YouTube появилось монохромное видео (ниже), в котором вокалистка группы Бет Гиббонс пропевает строчки хартбрейк-хита шведского квартета под холодные синтезаторы в духе Джона Карпентера, а в припеве подкрадывающуюся к ней темноту прорезают вспышки света — три коротких, три длинных, три коротких, — совсем как в сигнале бедствия азбуки Морзе.

Читайте также  Финская супергруппа Flat Earth выпустит дебютный альбом в 2018-м

Разумеется, Гиббонс со товарищи вложили в свою «SOS» совсем другой смысл, нежели шведский поп-квартет. 16 июня 2016 года, за неделю до референдума о членстве Великобритании в ЕС, в Берстолле 52-летний Томас Мейр трижды выстрелил в «восходящую звезду» Лейбористской партии Великобритании, члена парламента от избирательного округа Батли и Спен, 41-летнюю Джо Кокс. Ее на вертолете доставили в госпиталь в Лидсе, где она и скончалась. Преступление потрясло всю страну (это было первое ​​за 26 лет убийство парламентария в Британии), и видео Portishead стало своего рода реакцией группы на шок и заодно их манифестом неприятия любого насилия и нетерпимости в обществе. В конце ролика на экране остается фраза Кокс из ее признанного впоследствии символическим выступления в парламенте: «У нас гораздо больше общего, чем того, что нас разделяет» .

Официальный релиз аудиоверсии «SOS», пусть пока и на одной-единственной платформе потокового вещания, вновь поднял волну слухов о четвертом студийном альбоме Ш̶р̶е̶д̶и̶н̶г̶е̶р̶а̶ Portishead. Поклонникам группы впору заводить паблик наподобие того, что был у фанатов Tool. Но суждено ли нам когда‑нибудь услышать новый альбом Portishead или нет, есть хороший повод переслушать дискографию одной из величайших групп в истории поп-музыки.

Необходимое предуведомление: как вы понимаете, вынесенную в заголовок задачу представить гид по альбомам Portishead и тем более выделить из них «худший» и «лучший» выполнить сложно — хотя бы потому что дискография группы уж больно герметична : первые два альбома с трудом можно отлепить друг от друга, третий записан на излете времен, по сути, на сломе тектонических плит (вот-вот прогремит стриминг-революция), а, бесспорно, гениальный концертник по правилам такого рода материалов вроде как и вовсе нельзя включать в перечень без соответствующих оговорок. Но мы все равно пройдемся по всем релизам, просто учтите: расстановка тут более чем относительна, а титул материала — чистой воды провокация.

«Third» (2008)

«Для трезвого понимания кто есть кто в современной музыке достаточно просто помнить, что где‑то в студии на Британских островах время течет в совершенно особенном темпе, словно снятое в рапиде, и за то время, пока очередные рок-молодчики окучивают хит-парады и стремительно забываются, в этой портисхедовской вселенной успевает лишь истлеть сигарета в руках Бет Гиббонс», — писал музыкальный журналист Глеб Лисичкин о третьем альбоме группы Portishead, «Third», в номере Rolling Stone за май 2008 года.

Лисичкин тогда нарек первую за одиннадцать лет студийную пластинку и последний на данный момент официальный полноформатный релиз Portishead «первой неудачей бристольских гениев», но тут же оправился, что «святым прощается все» . Приведенный же выше отрывок из рецензии вынесен в описание крупнейшего в «ВКонтакте» русскоязычного сообщества, посвященного Portishead (22,5 тыс. подписчиков), и гуляет и перепечатывается по интернет-весям с того самого незапамятного 2008-го.

Собственно, добавить к сказанному с дистанции прошедших лет не то чтобы нечего, но будто незачем: если уже в 2008 году в отношении бристольского трио коллеги использовали определения вроде «гении», «святые» и тому подобное, то что говорить о 2021-м? Статус Portishead, с тех пор выпустивших лишь две песни — сингл «Chase the Tear» ко Дню прав человека в 2009-м и как раз «SOS» в 2016-м — и редко и метко появляющихся в публичном пространстве, только укрепился. Это титул сумрачных героев мятежного духа трип-хопа, романтиков и перфекционистов одновременно: трех музыкантов с абсолютно разными бэкграундом, вкусами, интересами, амбициями, которые четверть с лишним века назад объединились и сотворили хрупкое чудо.

Третий альбом Portishead и правда проще ругать, сравнивая его при этом с первыми двумя. Но на самом деле «Third» слушается сегодня как одна из лучших пластинок современной популярной музыки. Этой записи удается совместить невероятную эклектичность с лаконичностью, грубость — с чувственностью, присущую большей части музыки Portishead кинематографичность — с мощнейшей жизненной энергией, декадентство — с любопытством, игривостью и самоиронией.

Это, конечно, никакой уже не трип-хоп (и тут можно остановиться и задаться вопросом, а стоит ли вообще относить Portishead чисто к этому жанру: все-таки отличие Portishead от Massive Attack, UNKLE или Трики что по звуку, что по методу, что по настроению, вайбу и флоу кажется очевидным — с другой стороны, любой ярлык так и так условен), но впечатляющий коллаж из эха постиндустриальной электроники, техно, краута, блюза, даба, ду-вопа и чего только не. Эмоциональные американские горки слушателю обеспечены в продолжение звучания всего альбома. Например, когда после оммажа Joy Division, зловещей клаустрофобной стены гитарно-синтезаторного крошева в «We Carry On», слышишь беззаботное, словно словившее дзен укулеле Эдриана Атли в «Deep Water», немудрено как минимум сбить дыхание.

«Portishead» (1997)

О втором студийном — именном — альбоме Portishead даже не хочется много писать. Достаточно начать перечислять: «Cowboys», «All Mine», «Over», «Humming», «Seven Months», «Only You», «Western Eyes», — и в сознании моментально вспыхивают и проносятся биты, партии, семплы и строчки из каждой. Portishead, безусловно, всегда была присуща удивительная способность совмещать в своей музыке, казалось бы, взаимоисключающие вещи, например, техническую въедливость, дотошность и прагматизм во всем, что касается записи, тут же — восторженную, элегическую лирику, образность (все эти wild white horses, western eyes, magic doors и wooden heart сверху — откуда?) и совершенно несерьезное отношение к себе. Это как бы игра в музыку и с ней и ее отдельными элементами: попробовать еще и так, добавить, порезать, выбросить, перевернуть.

Как это все записывалось — вообще отдельная история. В книге Андрея Горохова «Музпросвет» процесс работы над «Portishead» со слов сооснователя группы, мультиинструменталиста и продюсера Джеффа Бэрроу описан так:

Далее, сообщает нам Горохов, записывался вокал: песню снова собирали из кусочков, только каждый фрагмент демоверсии воспроизводили на живых музыкальных инструментах. И если в демо были использованы две ноты, сыгранные на виолончели, то для записи созывался симфонический оркестр, который много раз играл те же самые две ноты .

Промежуточные варианты каждого трека печатались на виниле, винил подвергался старению физическим воздействием. По пластинкам ходили, их намеренно царапали, затирали , прогоняли через проигрыватели с разными звукоснимателями, переписывали отдельные куски на пленку, загоняли их в семплер. Могли добавить и новую партию, после чего — если верить Горохову — вновь изготовлялся винил, его вновь топтали, царапали и далее по списку, чтобы потом выдрать из «битой» пластинки ма-а-а-ахонький кусочек и загнать его в семплер.

В общем, Portishead в ином случае несколько десятков раз повторяли безумный цикл, в результате чего финальная версия песни теряла какое бы то ни было сходство с первоначальным вариантом. «Конечно, мы могли взять синтезатор, нажать на кнопку „духовые“ и получить правдоподобно звучащий аккорд, — продолжает цитировать Бэрроу Горохов. — Но современные машины принуждают тебя применять стандартизованные звуки. Они не дают тебе реализовать твои идеи и в конечном итоге разрушают твои творческие способности. Синтезаторами пользуются лишь те, у кого мало денег. Настоящий профессионал с большим удовольствием наймет настоящий оркестр ». Вы еще спорите, Ableton или FL Studio?

Читайте также  Новый документальный фильм о группе ABBA: подробности

«Dummy» (1994)

Случайное знакомство в баре, полуночные разговоры на кухне у Нене Черри, на студии мужа которой в начале 1990-х подрабатывал Бэрроу (и которая в свое время заставила Massive Attack взяться за «Blue Lines»). Но главное — прослушивание музыки — огромного количества музыки, — семплы и лупы с пластинок саундтреков музыкальных комедий 1950-х и фильмов ужасов 1960-х, джазовых, фанковых и соул-ансамблей 1960-х и 1970-х, классического хип-хопа.

Наверное, одному Джеффу Бэрроу, этому аккуратисту, перфекционисту и музыкальному задроту до мозга костей, известно, как из всего перечисленного получился «Dummy» — альбом, наряду с «Blue Lines» Massive Attack и «Maxinquaye» Трики определивший новый жанр, в момент выхода в хорошем смысле вынесший мозг и критикам, и слушателям, вырастивший не одно поколение музыкантов. Иными словами, зацепивший каждого, кто его слышал. Тут можно вернуться к предыдущему куску и перечитать, как эти ребята записывали песни, с той лишь поправкой, что для работы над материалом для «Dummy» позволить себе нанять целый оркестр им явно было не по карману.

Но к черту эмоции, цифры и факты тут не менее красноречивы. Дебютный альбом принес Portishead музыкальную премию Mercury Prize, с 1992 года присуждаемую за лучший альбом Великобритании и Ирландии, — почетную, в общем-то, альтернативу ​​«попсовым» Brit Awards и «Грэмми». Заметим, что конкуренцию «Dummy» в тот год пытались составить помимо прочих «To Bring You My Love» Полли Джин Харви, «Definitely Maybe» Oasis и «Maxinquaye» Трики.

Далее «Dummy» был признан альбомом года по версии пула критиков авторитетного и всегда шедшего вразрез с мейнстримом британского журнала The Wire. Наконец, «Dummy» занимает вторую строчку в пользовательском рейтинге лучших альбомов 1994-го на сайте Rate Your Music после «Illmatic» Наса (ну и до кучи 45-ю — в общем рейтинге RYM всех времен и народов, также составленном пользователями ресурса, то есть простыми слушателями; в этом списке списков тихий шедевр Portishead затаился между «Hounds of Love» Кейт Буш и «F♯A♯∞» Godspeed You! Black Emperor).

«Roseland NYC Live» (1998)

Выступление Portishead в нью-йоркском концертном зале Roseland 24 июля 1997 года лучше, разумеется, смотреть, чем слушать. Хотя бы ради той невероятной атмосферы, гения места и времени: в каком еще фильме-концерте можно увидеть на сцене симфонический оркестр, рок-группу и диджея, играющих одновременно и звучащих при этом органично, а в зале — разношерстную публику в диапазоне от богемных обитателей Нижнего Ист-Сайда до студентов арт-колледжей или братков из Гарлема, мерно качающих головой в такт музыке?

Вообще, есть ощущение, что сам жанр фильма-концерта за последнее десятилетие — особенно это стало заметно с приходом и установлением гегемонии YouTube, конечно, — знатно поистрепался. Хитросочиненные проекты вроде «Roseland NYC Live» исчезли. Большие дорогостоящие видео прежде всего для фанатов с показами в кинотеатрах и последующей дистрибуцией на стримингах и физических носителях стали прерогативой стадионных артистов вроде Мадонны и Bon Jovi, «Кино» и Lindemann.

Прочее вытеснили документалки, причем чтобы получить свое экранное жизнеописание, артисту не обязательно идти долгим тернистым путем, совершать неимоверные кульбиты, завоевывать славу культового музыканта и так далее: возьмите примеры Билли Айлиш или Даниэля Эрнандеса. Конец 1990-х — начало 2000-х в этом смысле выглядит такой пиратской гаванью, временем, когда систему можно было хакнуть: арендовать зал на три с небольшим тысячи человек, собрать своих, совсем не думать о декорациях и шоу, а просто выйти и отыграть час без единой лишней ноты или движения, дыхания даже. Ну, и запечатлеть все это, чтобы пробирало до костей аж из 2020-х.

В «Roseland NYC Live» сумасшедшие для своего времени продакшн и звук — страшно подумать, сколько заняли подготовка, поиск музыкантов, техников, репетиции. А еще решение убрать весь цвет в сепию. Благодаря ему концерт выглядит невероятно стильно и почти четверть века спустя. Он словно Зазеркалье, в котором не кончается летний нью-йоркский дождь, бесконечно скользят вдоль тротуаров желтые короли, спешат куда‑то ночные прохожие, переключаются светофоры, шипит пластинка, и, пока очередные тиктокеры окучивают хит-парады и стремительно забываются, успевает лишь истлеть сигарета в руках Бет Гиббонс.

Дебютный альбом группы Всестанции: импровизируй и получай удовольствие!

Дебютный альбом группы Всестанции условно можно разделить на две части. Начавшись бодрым заходом в фанк и поп-рок, к концу пластинка неожиданно перейдет в русло рассветной лирики – с вылазкой на крышу, пледами, нежными цветами неба и саксофоном в аккомпанемент. Смысловым центром в этом переходе становится композиция “Ночь”, уже своим названием сулящая таинство, уют и особую интимность.

Контраст удивляет, в некоторые моменты обескураживает: вроде бы только сейчас танцевал на вечеринке с друзьями и выделывал сумасшедшие, пьянящие па, как уже пришло время расходиться и остаться более узким, близким кругом.

Возможно для кого-то такой расклад покажется не совсем оправданным. В альбоме нет яркой заводной точки, свойственной джаз-фанк или поп-рок релизам. Но та атмосфера, что открывается слушателю во второй части пластинки, по-своему уникальна: укутаться, погрузиться, остаться подольше.

Безусловным плюсом работы является широта ее музыкального языка и ощущаемый профессионализм. Группа Всестанции чувствует музыку, чувствует друг друга, и более всего их творчество походит на классную живую импровизацию. В этом есть и приятное ощущение присутствия, и вовлеченность слушателя в процесс. Именно от такой идеи музыканты отталкивались, снимая видео на песню “Давай”, и посмотрев ролик, вы можете это прочувствовать.

Также нельзя не отметить обложку пластинки, автором которой выступила художница Катя Зуева. Оригинальная работа была выполнена в технике коллажа, и после пары фотографий, демонстрирующих процесс, осознаешь, что даже наслоение бумаги разного цвета и фактур отражает суть альбома. Он многогранен – так же как и его обложка, так же как и люди, записавшие его.

Дебютный альбом группы Всестанции придется по вкусу ценителям современного джаза, фанка и поп-рока. Редкий момент, когда параллели с другими артистами проводить не хочется: в этой музыке каждый найдет что-то свое, в зависимости от собственных познаний в музыке. Релиз доступен для прослушивания и покупки на основных цифровых площадках.

Слушать дебютный альбом группы Всестанции:

Слушайте Всестанции — Всестанции на Яндекс.Музыке

Если вы нашли ошибку, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: