Биография Joy Electric экспериментальная музыка Ронни Мартина

Таинственный мистер M.

Не давать интервью, не выходить на показах, не фотографироваться, не посещать светские мероприятия – больше похоже на кодекс шпиона, чем на жизненные установки fashion дизайнера. Тем не менее Мэзо́н Марта́н Маржела́, а не Мейсон Мартин Марджела, как ошибочно читают многие (именно так, как в первом звучании читается с французского на русский название модного дома Maison Martin Margiela), уже более двадцати лет проповедует полный отказ от любой публичности, оставаясь при этом одним из самых востребованных и популярных.

Рассказывать историю личности, окутанной тайнами и романтичным ореолом загадочности и мистики – словно собирать пазл из кусочков, отрывков, случайно брошенных фраз. Отвергая любые средства массовой информации, Маржела давно уже стал человеком-невидимкой от моды.

Достоверно известных фактов немного: дизайнер родился 9 апреля 1957 года на востоке Бельгии, в небольшом промышленном городе Генке. В 1979 году он оканчивает Королевскую академию изобразительных искусств Антверпена (The Royal Academy of Fine Arts) и едет в Милан, где несколько лет остается свободным художником, пока в 1984 году не отправляется в Париж в качестве ассистента Жана Поля Готье (Jean-Paul Gaultier). «Я уже тогда знал, что он хорош, но я не понимал, до какой степени», – скажет позже Готье. Именно работая с Маэстро, молодой дизайнер понимает, насколько обременительна слава: постоянные съемки и интервью, назойливые папарацци, не дающие спокойно и шагу ступить.

В 1982 году в жизни Мартэна происходит знаковое событие – он знакомится с Дженни Мейренс (Jenny Meirens), своим будущим партерном и другом. Дженни — хозяйка модного бутика в Брюсселе и поддерживает молодых дизайнеров. Она организует в своём магазине пресс-конференцию для Рей Кавакубо и Comme des Garcons на которую приходит и Мартэн. Эта встреча становится знаковой в жизни Маржела. Дженни заявляет, что его работы уникальны, и в 1988 году они создают бренд Maison Martin Margiela (MMM).

Сенсационный показ весенне-летней коллекции 1989 года сразу делает очевидным факт того, что Маржела не приверженец конформизма. Полностью прозрачные ткани с рисунком, похожим на татуировку, платья из фартуков и пиджаки из вечерних платьев, необработанные края, торчащие нитки – архитектурно-экспериментальные силуэты вызывают мгновенную реакцию прессы и критиков, и дизайнер получает звание «разрушителя» одежды. Дизайнер Боб Верхельст (Bob Verhelst) вспоминает в одном из интервью, что тишина после показа была гробовой. «Для всех было действительно потрясением увидеть силуэты Мартэна. Все поняли, что он продвинулся вперед намного дальше, чем кто-либо».

Сам дизайнер пока еще остается видимым и, по традиции, выходит к зрителям в конце показа, но его концепция обезличенности проявляется самым неожиданным образом. Он решает не использовать ярлыки с названием бренда, считая, что, если покупатели видят интересную, необычную, но безымянную одежду, они покупают именно ее, а не имя. Максимум, на что он согласен – четыре белых шва в качестве опознавательного знака. Юрист бренда негодует – защищать пустое пространство невозможно!

Осенью 1989 года на заброшенной площадке на окраине Парижа Мартан Маржела ставит новое шоу – самое странное из тех, что когда-либо видел мир моды. Первый ряд заполнен местными детьми, которые периодически выскакивают на импровизированный подиум, залезают на руки к моделям, те в свою очередь постоянно спотыкаются на неровной бетонной поверхности, покрытой выбоинами. Музыка – рваные миксы из нарезанных треков, гримерная – отгороженный закуток у стены, а для того, чтобы подключить аппаратуру и даже фены, пришлось стучаться в соседские дома с просьбой протянуть от них электричество. В качестве пригласительных – картинки, нарисованные учениками близлежащей школы. Критики снова впадают в ступор, не понимая, удалась ли коллекция или это полный провал.

В 1990 году у постепенно набирающей обороты марки появляется собственное помещение в центре Парижа. В этом царстве белого цвета правит стерильная чистота. Один из друзей рассказывает, откуда пошла патологическая любовь Мартэна к белому: только начав собственное дело, Мартан и Дженни не могли позволить себе покупать новую мебель, а потому просто покрасили белой краской разрозненные образцы. Так зародилась любовь к белоснежным интерьерам. А следом появляются и знаменитые лаконичные белые бирки с цифрами, обозначающими принадлежность модели к определённой линейке.

Каждое следующее шоу эксцентричного художника становится сенсацией. Площадками служат улицы, станции метро, пустыри и подъезды домов. В качестве пригласительных – телеграммы, клочки бумаги с номером телефона, карты Парижа, лазерная указка и даже бумажные кофейные стаканчики. На показе 1994 года он выходит к зрителям в последний раз. С этого момента он абсолютно недосягаем для журналистов, а редкие интервью или заявления даются от имени команды модного дома, по факсу или почте. Нет телефонных номеров, отсутствуют адреса, никаких фотографий, а лица моделей закрыты масками. Аномалия для fashion индустрии, в которой изображению и максимальной открытости придается огромное значение.

Несмотря на шокирующие показы и экстравагантность, Мартан твердо стоит на земле и вполне осознанно воспринимает окружающую реальность. «Мода – это ремесло, а не искусство», – заявляет он и в 1997 году, неожиданно для всех, становится креативным директором Hermés. Став во главе одного из самых консервативных домов, он продолжает работать и над собственными коллекциями. Его феномен не поддается логическому объяснению. Гениальный художник создает одежду для привыкших к роскоши клиентов Hermés, поднимая престиж марки на новую высоту, и творит в абсолютно противоположной Maison Martin Margela манере.

В том же году появляется женская линейка с кодовым названием 6, позже трансформировавшаяся в MM6. Интеллектуальный дизайн MM6 полностью отражает дух марки: функциональность и лихорадочный деконструктивизм в одном флаконе. Известный своим авангардистским чувством стиля, в MM6 дизайнер выражает креативность посредством переработки, трансформации и интерпретации. При всем этом каждая модель линейки несет в себе заряд романтизма и какой-то поэтичной мечтательности. Все это в сочетании с мастерским пошивом моментально вызывает любовь приверженцев урбанистического стиля. Беспорядок, каким-то образом оформившийся в идеально скроенную одежду – так критики объясняют философию MM6.

Первая мужская коллекция появляется годом позже и ей присваивается номер 10. В линию 13 входят уже и книги, и предметы интерьера, а люксовая линейка под цифрой 0 или «Artisanal» представляет собой подиумные коллекции, изготовленные вручную. Но и здесь есть все тот же полный отказ от красоты в традиционном понимании и узнаваемая концептуальность, граничащая с практичностью. Старые предметы одежды разрезаются, разрываются и переставляются на новые. Поношенные кожаные перчатки превращаются в топ, а рулон старой марли – в пиджак.

Дизайнер доводит выходы на показах до гротеска, наряжая моделей в меховые парики, маски, полностью расшитые камнями, а в лукбуках, больше похожих на плакаты с информацией о розыске преступников, глаза моделей закрашивает черным маркером. В конце концов Мартан, вдохновившись этой самой черной полосой, выпускает плоские очки «Инкогнито».

Дальше – больше. Под номером 12 появляются авангардные, но при этом изысканные ювелирные украшения, а затем совместно с L’oreal Маржела разрабатывает аромат Untitled. Признавая, что мода циклична, а также активно опровергая свою репутацию разрушителя, Мартан начинает переиздавать старые модели, воссоздавать наиболее полюбившиеся вещи, не забывая прикладывать к ним подробное описание. В 2003 году дизайнер оставляет Hermés. По иронии судьбы, у руля его сменяет Жан Поль Готье.

Философия бренда становится культовой. Он избегает всеобщего внимания не просто так, а подчеркивает два ключевых принципа. Первое: проекты должны говорить сами за себя. Второе: все творения – по сути продукты совместной работы целой команды, а не отдельной личности, и говорить «мы» – намного честнее. Как только не называют дизайнера в прессе: и «невидимый гуру», и «приведение», и даже предполагают, что он – женщина. А сам Маржела продолжает бросать вызов традиционной системе моды, отвергая общепринятые правила и изобретая свои собственные. Он снова и снова шокирует публику не только оригинальными формами, но и материалами. Ремни безопасности, перья, теннисные мячи, цветной лед, тающий прямо на моделях – его стратегии уникальны!

В год двадцатилетия бренда проходит поразивший своей экстравагантностью и масштабностью даже искушенную публику показ, на котором лица моделей были полностью закрыты капроном. Футуристичные, сюрреалистичные наряды все так же ошеломляют, как и два десятилетия назад. Сам идейный вдохновитель не появляется даже на юбилейном торжестве. А может он и смешался с толпой, кто знает, ведь единственно доступные изображения Мартэна датируются 1997 годом.

В свет выходит книга, посвященная неуловимому и невидимому дизайнеру и его детищу. Выставки-ретроспективы его работ собирают огромное количество поклонников. Он не просто творец, он революционер, доказавший, что анонимность, культ невидимости имеет силу не меньшую, чем открытость и публичность.

В 2009 году публике представляют мебель и предметы интерьера от Maison Martin Margiela. Конечно, в любимой дизайнером белой гамме. В 2014 году основатель бренда покидает свой пост, а на его место вступает Джон Гальяно. Сам Маржела в очередной раз отказывается давать какие-либо комментарии, кроме сухого «я одобрил». За более чем двадцатилетний период бренд стал воплощением деконструктивизма и авангардизма моде.

Радикальные концепции дизайнера повлияли на многих: в коллекциях Аззедина Алайи (Azzedine Alaia), Александра МакКуина (Alexander McQueen) , Демны Гвасалия (Demna Gvasalia) для Vetements можно увидеть «вдохновение», взятое из работ Маржелы. «Я никогда не отрицал, что на меня сильно повлиял его талант. Я не скрываю этого. Любой, кто живет в современном мире, находится под воздействием таких, как Мартан Маржела», – признается Марк Джейкобс (Marc Jacobs).

Обыкновенное чудо: Стиви Уандер и его внутреннее зрение

В 13 лет он стал самым молодым артистом с песней на вершине национального хит-парада США — и одним из первых темнокожих певцов, достигших этого во всё еще сегрегированной Америке. В его багаже — пара десятков песен, определивших облик современной поп- и рок-музыки и 25 наград «Грэмми». Его имя внесено в залы славы рок-н-ролла, ритм-н-блюза и авторов-песенников. А еще — немаловажный факт для его родной страны — именно он добился включения дня рождения Мартина Лютера Кинга в список национальных праздников США. Один из первых его альбомов пророчески назывался «12-летний гений» — при этом он слеп от рождения. Сегодня, 13 мая, Стиви Уандеру, одному из самых замечательных музыкантов ХХ столетия, исполняется 70 — и «Известия» присоединяются к поздравлениям.

Читайте также  Биография Filterheadz история техно-дуэта из Бельгии

Трудное начало

«Он родился в бедной, но трудолюбивой семье» — этот классический зачин часто напрашивается к его истории. Трудолюбивостью в чете Джадкинсов, впрочем, отличалась лишь Лула Мэй, мать Стивленда (таково полное имя певца), ставшего третьим из шести детей. Отец, Келвин Джадкинс, мало интересовался и работой, и детьми — особенно «слепым пащенком».

Слепота, скорее всего, стала следствием трагической врачебной ошибки — Стиви родился недоношенным и был помещен в «инкубатор», куда усиленно подавался кислород. О том, что избыток кислорода может привести к ретинопатии недоношенных и к полной слепоте, в 1950 году просто не знали.

В конце 1990-х Уандер почти согласился на экспериментальную терапию, которая теоретически могла вернуть ему зрение. Увы, выяснилось, что в его возрасте и состоянии это было уже невозможно. Впрочем, сам музыкант всегда философски относился к своей слепоте: «Иногда я чувствую, что слепота — это дар Божий, потому что я, наверно, не протянул бы и минуты, умей я видеть. Господь знал, что делал. По крайней мере, я никогда не сужу о книге по ее обложке».

Молодой Стиви Уандер,1960 год

Вернемся, однако, в 1950-е. Келвин продолжал игнорировать свои отцовские обязанности, к тому же начал поколачивать супругу. Лула Мэй получила развод (для черной женщины середины 1950-х, за полстолетия с лишним до всяких «миту», — решение смелое), забрала детей и уехала в Детройт — в те времена один из самых динамичных и процветающих городов США. К тому же за городом уже закрепилась слава центра не только автомобильной промышленности, но и культурной — особенно музыкальной — жизни черной Америки.

Основанная в 1959 году предпринимателем и продюсером Берри Горди фирма грамзаписи Tamla Motown превратилась с тех пор в легенду шоу-бизнеса, подарив миру новый, продолжающий жить и развиваться и по сей день музыкальный стиль — соул. Само имя Мотаун (портманто слов Motor и Town) превратилось в прозвище Детройта на долгие годы.

Лула Мэй, дочь батрака из Алабамы, перебравшаяся в юности на либеральный Север, верила в своего любимца и уделяла ему максимум внимания. Когда будущему Стивленду было два года, мать выдала ему две ложки и предложила стучать по всему в доме — так он выработал свое уникальное чувство ритма. Однажды в Рождество соседи, скинувшись, презентовали ему настоящую ударную установку; постепенно в доме появились и другие инструменты. К 10 годам Стиви уже и сам сочинял музыку.

Семья при этом жила временами в крайней бедности — Келвин после развода полностью исчез из жизни детей, так что Луле Мэй приходилось зимой воровать в доках уголь, чтобы хоть как-то отапливать дом. «Мать брала нас с собой, — вспоминал много позже Стиви. — Потом она стыдилась, когда я рассказывал об этом эпизоде. Я всегда говорил ей, что стыдиться надо не того, что мы воровали уголь — а того, что в самой богатой стране мира воровать, чтобы выжить, было и необходимостью, и преступлением».

Его второй папа

Основателю Motown Берри Горди суждено было стать для Стивленда практически вторым отцом — и даже пережить положенный бунт против своего авторитета, когда пришло время. В 1961 году Стиви спел собственную композицию «Одинокий мальчик» участнику популярной группы The Miracles Ронни Уайту. Тот мгновенно оценил потенциал юного дарования и устроил прослушивание у Горди, результатом которого стал контракт на пять лет и новое имя.

Продюсер Кларенс Пол, работавший над первыми записями Стиви, воскликнул: «Этот парень — просто маленькое чудо!» Так Стивленд Моррис (Лула Мэй отказалась от фамилии бывшего мужа) стал Малышом Стиви Уандером (определение «Малыш», впрочем, исчезло с конвертов пластинок и афиш уже в 1963 году).

Стиви мог стать одним из вундеркиндов поп-музыки, забытых и списанных в архив после достижения совершеннолетия и потери интереса слушателей, но всё вышло иначе. И даже не так, как сложилось у его поклонника и отчасти ученика Майкла Джексона, отправившегося в путешествие по волнам безумия, достигнув одновременно невиданных высот популярности.

В 21 год Уандер твердо взял в свои руки управление собственной карьерой — и творчеством. Что в начале 1970-х было не столь уж частым явлением даже среди взрослых артистов. «Я понимал, что не хочу больше прыгать по сцене под визг поклонниц», — говорил он позднее в интервью. Сразу после вечеринки в честь совершеннолетия юрист Уандера вручил «крестному отцу» Горди довольно резкое письмо с требованием прекратить действие контракта.

Глава Motown в очередной раз проявил себя мудрым бизнесменом — требования Стиви о полном творческом контроле и повышенном размере отчислений были удовлетворены, и контракт был перезаключен на более выгодных для артиста условиях. «У меня были сомнения, конечно, — вспоминал потом Горди. — Но превращение мальчишки с бонгами, певшего высоким голосом, в зрелого вокалиста, автора и продюсера произошло у меня на глазах. Стиви был готов к полету». Первые же два альбома «нового» Стиви стали суперхитами — песни You Are the Sunshine Of My Life и Superstition стали не просто знаковыми для самого певца, но и, что называется, вошли в золотой фонд музыки ХХ столетия.

Уандер ввел в свою музыку неожиданный и всё еще экзотический в начале 1970-х инструмент — синтезатор. Эксперименты с новыми технологиями стали вообще его фирменным знаком. Так, для «Путешествия в тайную жизнь растений» (1979), довольно экстравагантного саундтрека к одноименному научно-популярному фильму, Стиви использовал один из первых сэмплеров, а сама запись была сделана при помощи цифровой техники.

Стиви Уандер во время концерта в театре Rainbow в Финсбери-парке, Лондон, Англия, в феврале 1974 года

Уандер пояснял, что ему было интересно сделать музыку к тому, что ему никогда не суждено увидеть — монументальная и почти полностью инструментальная работа, впрочем, не нашла отклика у публики, ожидавшей всё же песен, а не почти амбиентных электронных импровизаций.

Инициатива и контроль

Тем не менее в 1980-е 30-летний музыкант вступил не просто суперзвездой, а в своем роде национальным символом Америки. Альбом Hotter Than July (1980) вернул Уандера на вершины хит-парадов, но он резко снизил темпы: в последовавшие четыре десятилетия он выпустил лишь пять пластинок (три из них — до 1990 года). Значительную часть своего времени Уандер начал посвящать семье — у известного своей любвеобильностью певца девять детей от разных женщин; младшей дочери Найе всего шесть. Кроме того, он серьезно занялся социальными проблемами — и не только в песнях.

В 1980 году Уандер обратился к президенту Рейгану с призывом признать день рождения Мартина Лютера Кинга общенациональным праздником — и добился своего. Позднее принял участие в кампании против вождения в пьяном виде — вся Америка видела плакаты, на которых слепой музыкант заявлял: «Лучше я сам поведу машину, чем позволю везти себя пьяному!» — и слышала нравоучительную, но заводную песню Don’t Drive Drunk. Уандер занимался — и занимается — всеми возможными благотворительными начинаниями, от помощи слепым детям до пропаганды музыкального образования.

Несколько менее известная сторона деятельности певца — участие в разработке электронных музыкальных инструментов. В 1982 году Уандер вместе со знаменитым изобретателем и футурологом Реймондом Курцвайлем основал компанию Kurzweil Music Systems, среди продукции которой ставшие легендарными цифровые синтезаторы К250 и К2000/2500.

Последний свой альбом он выпустил еще в 2005 году — пластинка A Time To Love принесла Уандеру очередной «Грэмми». С тех пор он продолжал выступать в основном со старым материалом, написав, впрочем, песню All About the Love Again — специально для инаугурации Барака Обамы, где впервые ее и исполнил. Заметим, что Обама вообще давний поклонник певца — даже женился он под песню Уандера You And I.

Тем не менее Уандер вот уже больше 10 лет не балует публику новой музыкой. Возможно, эта сдержанность — результат не потери вдохновения, а того самого творческого самоконтроля, права на который требовал Уандер когда-то у Берри Горди. Когда у тебя в багаже песни, определившие звучание поп-музыки почти на полвека вперед — а именно такие песни писал и записывал Уандер в середине 1970-х, — они становятся и грузом ответственности тоже.

А понять, как к такой ответственности относится сам Уандер, могут помочь слова Отиса Уильямса из легендарной соул-группы The Temptations: «Стиви просто работает в иной плоскости, чем все остальные. Он просто другой — и никому не понять Стиви Уандера, если только ты сам не Стиви Уандер».

Joy Electric — Joy Electric

Joy Electric — это торговая марка серии электропоп / синти-поп произведений Ронни Мартина . Мартин начал продюсировать музыку под названием Joy Electric в 1994 году, после распада Dance House Children , в которой Ронни играл вместе со своим братом Джейсоном Мартином из Starflyer 59 . Басист Starflyer 59 и владелец Velvet Blue Music Джефф Клауд присоединился к Joy Electric с 1996 по 2002 год. Joy Electric в настоящее время является сольным коллективом.

Содержание

  • 1 История Pre-Joy Electric
  • 2 мелодии и пять звезд за неудачу
  • 3 Мы — создатели музыки и сказки старых жен
  • 4 Робот-рок и христианские песни
  • 5 Наследие серии
  • 6 Династия Мугов
  • 7 Гномий горный алфавит
  • 8 Дискография
    • 8.1 Альбомы
    • 8.2 Сборники
    • 8.3 EP и синглы
  • 9 ссылки
    • 9.1 Дальнейшее чтение
  • 10 Внешние ссылки
Читайте также  Биография Siouxsie and the Banshees смелый пост-панк из Англии

История Pre-Joy Electric

Поэкспериментировав с живыми выступлениями, сформировав бесчисленное количество внеклассных групп и записав альбом, который никогда не должен был быть выпущен под названием Morella’s Forest с Рэнди Лэмбом, Ронни и его брат Джейсон попали на молодой лейбл Майкла Нотта , Blonde Vinyl. с танцевальным альбомом « Песни и рассказы» .

Купив старый сэмплер Akai и несколько синтезаторов, Ронни начал создавать собственный спин-офф современной электронной «клубной» музыки. Все еще работая со своим братом Джейсоном, новая группа Ронни, Dance House Children , противопоставляла холодную гипнотическую электронику причудливым старомодным текстам. После выпуска еще одного альбома, Jesus , Dance House Children обнаружили, что Джейсон уезжает, чтобы продолжить свои собственные музыкальные начинания, Starflyer 59 .

С помощью нескольких друзей Ронни перешел от клубной музыки к более мелодичному, оркестрованному звучанию. В его третьем альбоме использовался широкий спектр инструментов, включая литавры, синтезаторы Moog и гораздо более экзотические звуки, чем все, что он издавал ранее. Было очевидно, что Мартин быстро выходил за рамки заранее запрограммированных звуков клавиатуры, поскольку он стал лучше разбираться в программировании своих синтезаторов. Rainbow Rider: Beautiful Dazzling Music No. 1 , название его третьего альбома, стало мостом между «техно» ранним периодом Мартина и его загадочным творением Joy Electric. Rainbow Rider была частью названия третьего альбома Ронни, а не изменением названия музыкальной группы от Dance House Children.

Мелодия и пять звезд за неудачу

В процессе написания своего четвертого альбома — изначально задумывавшегося как Beautiful Dazzling Music No. 2 , затем Fairy Tale Melodies (некоторые рекламные материалы Tooth and Nail вышли с этим названием), а затем, чтобы переименовать его просто в Melody, — Мартин нашел звучание его проекта кардинально изменилось. Конечно, во время « Beautiful Dazzling Music» изменения были очевидны , но этот четвертый альбом довел дело до крайности. Аналоговые синтезаторы начали доминировать в студийном пространстве. Более того, Мартин начал совершенствовать музыкальную технику, напоминающую часы, со странным набором всплесков и завихрений, постоянно вращающихся на заднем плане. Четвертый альбом привел к нескольким вещам: новому названию группы (Joy Electric), его подписанию с новым лейблом ( Tooth & Nail Records ) и запуску фирменного звука Мартина, который он носит по сей день.

Мы — создатели музыки и сказки старых жен

К этому времени Мартина все больше увлекала идея музыкального «пуризма». Черпая вдохновение в электронных группах 70-х, которые были «пуристами» по необходимости (не имея ничего, кроме простых аналоговых синтезаторов, с помощью которых можно было бы собрать весь коллаж размытых звуков), Мартин делегировал почти всю свою студию в кладовку и пообещал создать альбом. По кирпичику, из звуков всего одного синтезатора. В условиях этого ограничения он приступил к работе — проектированию, программированию и хранению всех звуков для нового альбома в Roland JD-990 .

Помещение всех своих яиц в одну корзину (или синтезатор в данном случае) сделало Мартина особенно уязвимым перед одной извечной проблемой: память его синтезатора была полностью стерта. Неизвестно, как это произошло, но на полпути к выходу нового альбома Мартин обнаружил, что вся его работа потеряна. Мартину пришлось начинать заново с нуля. Воспользовавшись этой возможностью, чтобы пересмотреть свой подход, он решил двигаться в еще более пуристическом направлении, чем раньше, решив создать целостный синтезаторный концептуальный альбом в средневековом толкиновском стиле . Поскольку первого наполовину завершенного альбома больше нет, невозможно оценить, насколько радикальным он был изменен по сравнению с оригинальной работой Мартина.

«We Are the Music Makers» включает в себя артуровские песни о сумрачных замках, собраниях рыцарей, выезжающих на битву, посвящении монархии и разрушающимся воспоминаниям о христианском мире. Эта средневековая тема была необычной темой для электронного альбома середины 90-х .

Из всех своих альбомов Мартин постоянно называет этот самый нелюбимый. (Вдобавок к чувству выгоревшего из-за того объема работы, которую он вложил в альбом, он, оглядываясь назад, почувствовал, что более экспериментальное звучание альбомов скрывает несколько некачественную группу песен с точки зрения зацепок и мелодий). Некоторые считают, что альбом демонстрирует неопытность Мартина в этой новой «пуристской» модели. Однако другие фанаты утверждают, что этот альбом содержит некоторые из самых запоминающихся и знаковых работ Мартина, в том числе «Бургундские годы», «Гензель (Я буду твоим другом)» и «Я сияю, ты луч».

Мартин быстро последовал за этим альбомом, выпустив еще один EP, на этот раз под названием Old Wives Tales . Сохранив сказочную тему Шварцвальда , он отказался от более мрачных готических мотивов и спродюсировал набор песен, сочетающих поп-музыку и ностальгию. Joy Electric, так или иначе, всегда была эскапистской группой, уводящей слушателя в своего рода музыкальную страну, в значительной степени незнакомую и изолированную. Old Wives Tales является кульминацией этого эскапизма, и оказалось, что это именно то, что искали фанаты. Аудитория начала расти, EP продавался в больших количествах, и во всех музыкальных журналах появлялись благоприятные статьи.

Робот-рок и христианские песни

На этой волне популярности здания компания Joy Electric начала пользоваться большим уважением как за границей, так и дома. Это внимание в Tooth & Nail было особенно критическим, что привело к серии альбомов, которые были разработаны и действительно преуспели в получении некоторой степени коммерческого успеха. Были сняты музыкальные клипы, которые получили более широкое распространение. Музыка вышла из культовых кругов и быстро набирала новых поклонников.

Robot Rock был первым альбомом, который на этом заработал. Альбом ушел из мира «спального производства» в профессиональные студийные руки. Вокал получился отточенным и ухоженным. Много лет практиковавшись на аналоговых синтезаторах, Мартин смог лучше контролировать звучание своих синтезаторов. Чтобы продемонстрировать эти навыки роста, песни, как правило, были более редкими. Весь альбом больше, чем любой другой релиз, был возвращен к его новаторской работе в Melody .

Следуя своему примеру, Мартин выпустил EP под названием The Land of Misfits , содержащий «Monosynth», два ремикса на песни с Robot Rock , ремикс на «The Cobbler» с EP Old Wives Tales и одну новую песню. Фанаты обычно считали это разочарованием, поскольку содержали только одну новую песню вместе с переработанными песнями из Robot Rock .

В конце концов появился еще один EP макси-сингл Children of the Lord . Хотя Мартин по-прежнему включает каверы на EP, на этот раз Мартин внес в релиз больше разнообразия. Две песни охватывают совершенно разные влияния: панк-рокера MxPx и певца семидесятых Кейта Грина . Последней песней был ремикс Cloud2Ground на песню с грядущего альбома.

В 1999 году вышла песня « Христианские песни». Что касается названия, Мартин объяснил свое разочарование по поводу христианских музыкальных групп, пытающихся преуменьшить значение своей религии в надежде на больший коммерческий успех. Выросший христианином, Мартин редко позволял своей вере сильно влиять на его музыку. Тем не менее он не одобрял таких заявлений, как «мы христиане, но мы не христианская группа». Напротив, и чтобы установить рекорд для всех фанатов, название нового альбома Мартина не оставило никаких сомнений в этом вопросе.

Христианские песни содержали некоторые из самых явных отсылок Joy Electric к христианству, призывы верующих оставаться сильными («Возвысь свои сердца»), пение музыкальных молитв религиозного посвящения («Сделай мою жизнь молитвой», которая была кавер-версией песни, написанной Мелоди Грин ) и провозглашает всеобщее послушание Богу («Истинная Гармония»). Но альбом содержал глубокие лирические разрывы. Религиозные песни в подавляющем большинстве были религиозными. Другая половина альбома была, более или менее, обычным делом Joy Electric.

Христианские песни также продемонстрировали способность Мартина выходить за рамки веселых песен, которые критики осуждали за излишнюю поверхностность. Альбом продемонстрировал широкий спектр чувств, простирающийся на знакомую бурную территорию в новых, более темных направлениях.

Наследие серии

В 2001 году был выпущен «Наследие Том 1: Белый песенник» . Полтора года создания The White Songbook продолжили синтезированную традицию последних нескольких альбомов, используя только Roland System 100 , но со множеством сложных и переплетенных слоев звуков, накладывающихся друг на друга. Музыка была разделена на четыре тематических раздела, и очень скудные обложки альбома были призваны вызвать ощущение старой книги. В этот альбом также входит относительно успешный сингл We Are Rock. Несмотря на определенный успех критиков, Ронни чувствовал себя несчастным во время долгой и утомительной работы над альбомом. ЕР-компаньон к этому альбому — Starcadia , который с тех пор больше не издается и стал очень популярным предметом коллекционирования.

Серия «Наследие» продолжилась песней The Tick Tock Treasury , редкость которой была музыкальной реакцией на плотную и пышную природу The White Songbook . Вместо того, чтобы включить текст в буклет, Ронни решил включить небольшой рассказ, который послужил вдохновением для названия альбома. В отличие от «Белого песенника» , место The Tick Tock Treasury в серии «Наследие» было обнаружено только в небольшом переходном тексте на вкладыше к компакт-диску. Сопутствующий EP к этому альбому — The Tick Tock Companion , давний набор экспериментальной синтезаторной музыки, записанный за один дубль.

Третий альбом Legacy был Hello, Mannequin . Как и его предшественник, его место в серии Legacy было указано только в небольшой пометке. Этот альбом привнес в песни значительно более жесткую структуру, так как басовые партии иногда не менялись на протяжении всего трека. Сопутствующий EP Friend of Mannequin содержит ремиксы, несколько новых песен и интервью из трех частей.

The Ministry of Archers , идентифицированный как альбом Legacy только по отметке «lv4» (для Legacy Volume 4) в примечаниях к вкладышу, также был первым, который был произведен в недавно обновленной компании Electric Joy Toy Company на новом синтезаторном оборудовании Ронни Moog . В новом синтезаторе произошли значительные изменения в звучании, хотя альбом имеет некоторое сходство с предыдущими работами Legacy. А именно, он разбит на главы, как The White Songbook, и его тексты не напечатаны в конверте, как The Tick Tock Treasury . Сопутствующий EP, Montgolfier and the Romantic Balloons , разделен на две части: одноименный концептуальный мини-альбом и сборник ремиксов и дополнительных треков под названием «Other Archers».

Читайте также  Биография Alcazar nu-disco и Eurodance группа из Швеции

The Otherly Opus был выпущен 20 марта 2007 года как пятый и последний том в серии «Наследие», отмеченный как «Том 2 Года Династии Мугов». Альбом включает в себя одни из самых сложных вокальных произведений из альбома Joy Electric на сегодняшний день. Тематически альбом разделен на две половины. Первая половина известна как The Otherly Opus , а вторая половина — это The Memory of Alpha , концептуальный мини- альбом о допотопных временах. Сопутствующий альбом EP, Их Variables , содержит ремиксы на все песни с The Otherly Opus, а также две новые песни. Он был выпущен 18 сентября 2007 года.

Династия Мугов

Продолжая традицию Moog предыдущих двух альбомов, альбом Joy Electric My Grandfather, The Cubist был выпущен 27 мая 2008 года. [1] В следующем году были выпущены два EP: Early Cubism — это цифровая загрузка, состоящая из демо трех треков. из « Мой дедушка», «Кубист» , « Любопытства и подобные» содержит шесть новых песен.

В 2009 году Joy Electric выпустила « Favorites at Play », альбом, состоящий из каверов таких исполнителей, как Coldplay , The Killers , Blink 182 и других.

Карликовый горный алфавит

20 марта 2012 года Joy Electric объявила, что новый альбом будет выпущен независимо. На Kickstarter была запущена кампания по сбору 6000 долларов для финансирования проекта. Цель была достигнута за девять часов. Dwarf Mountain Alphabet ранее был анонсирован в интервью Ронни Мартину осенью 2011 года. Альбом был выпущен 4 декабря 2012 года.

Человек, взломавший наш код и написавший все хиты. Как Макс Мартин уже 25 лет создает современную музыку

Автор фото, Getty Images

Макс Мартин претендует на звание самого успешного создателя популярной музыки XXI века

26 февраля исполняется 50 лет композитору и продюсеру Максу Мартину. Он не любит публичности и славы, хоть и пишет главные мировые хиты. Backstreet Boys, Бритни Спирс, Pink, Тейлор Свифт, Адель, Ариана Гранде, The Weeknd — все они многим обязаны Мартину.

В начале 2020 года один из пользователей YouTube выложил в своем аккаунте полуторачасовое видео обложки последнего альбома The Weeknd. В нем примерно 60 раз повторялся главный хит этого альбома Blinding Lights.

Этот жест нельзя даже назвать экстравагантным: песня настолько хороша и так долго не приедается, что половина мира уже включала ее на репите. Только лишь в Spotify ее послушали почти два миллиарда раз.

Соавтор и продюсер этого хита — швед Макс Мартин. Он родом из Стокгольма, его настоящее имя Карл Мартин Сандберг. Этот довольно закрытый, редко дающий интервью человек уже 25 лет сочиняет самую модную в мире поп-музыку.

Blinding Lights — его 23 попадание на первое место в чарте Billboard Hot 100, главном индикаторе популярности релизов для музыкальной индустрии. Таким образом Мартин стал самым успешным автором песен в истории американских чартов после Пола Маккартни (32) и Джона Леннона (26).

Среди продюсеров лидирует работавший с The Beatles Джордж Мартин (23). Но и тут его шведский однофамилец отстал ненамного — в качестве продюсера он 21 раз попадал на первое место этого престижного хит-парада.

Эти музыкальные шведы

Американский музыкальный обозреватель Джон Сибрук утверждает, что Швеция — самая мелодичная страна в мире: даже ее национальный гимн, созданный на основе шведской средневековой баллады, чем-то похож на поп-композицию.

Когда поп-индустрия вступила на путь активной глобализации, Швеция начала регулярно поставлять звезд европейского и мирового масштаба: в 1970-х это были ABBA, в 1980-х — Roxette и адепты «новой волны» Secret Service, чей альбом неожиданно вышел даже в закрытом от западной поп-музыки СССР.

В начале и середине 1990-х шведы отправили в мировые туры звезд европопа Ace of Base, E-Type, Army of Lovers и ностальгических поп-рокеров The Cardigans.

Первые успехи

Тогда же, в середине 1990-х, вокалист игравшей глэм-рок шведской группы It`s Alive Макс Мартин решил, что поп-музыка ему нравится больше, а сочинять хиты как минимум любопытно.

Он начал пробовать силы на местных исполнителях и написал для шведской фрик-поп группы Rednex неожиданно серьезную балладу Wish You Were Here. В 1995 году она попала в топ-10 половины стран Европы, на пятое место общего еврочарта, а на провинциальных дискотеках России ее котировали и в начале нулевых.

В том же 1995-м Мартин работал как сопродюсер второго альбома Ace of Base. Сингл Beautiful Life оттуда — это уже попадание в топ-100 лучших песен 1990-х (по версии Buzzfeed).

Мартин и дальше продолжит работать в соавторстве с другими композиторами и продюсерами, но со временем начнет брать на себя лидирующую роль.

В 1996 году он перебирается в Лос-Анджелес, и тут начинаются его по-настоящему золотые годы.

Спустя год Мартин — продюсер и соавтор песен бойзбэнда Backstreet Boys, и это уже первые места в американском хит-параде плюс жесткая ротация на MTV.

Мальчики танцуют и поют о любви, а девочки слушают — беспроигрышно.

В 1999-м Мартин был сопродюсером альбома этой группы Millenium, ставшего ее самым популярным. 34 млн проданных копий, пять номинаций на Грэмми.

Hit Me One More Time

А потом этот швед просто захватил мир вместе с девушкой по имени Бритни Спирс.

В 1997 году Макс Мартин написал свою самую знаменитую песню «. Baby One More Time», однако целый год не мог ее пристроить.

Никого из звезд будущий хит не привлек. Группа TLC отказалась, посчитав, слова hit me one more time, которые переводятся как «ударь меня еще раз», призывом к домашнему насилию. Мартин утверждал, что на молодежном сленге того времени это означало «позвони».

В конце концов песню спела Бритни Спирс, и «хит ми бэйби ван мор тайм» полилось из каждого радиоприемника. Песня стала первым номером практически в каждой стране, где вышел ее релиз.

Впоследствии Мартин стал соавтором и сопродюсером практически всех главных хитов Бритни Спирс.

Специальность шведа — подростковая поп-музыка, но были и неожиданные коллаборации. В 2000 году он поработал с Bon Jovi. Эта софт-рок группа 1980-х все следующее десятилетие пыталась остаться в трендах, и Макс Мартин познакомил ее с аудиторией Спирс.

Даже первые кадры обоих видеоклипов забавно рифмуются. И, конечно же, опять первое место всех возможных хит-парадов.

В середине 2000-х Мартин улавливает новую тенденцию и вскоре возглавляет ее: публика устала от компьютерного попа, в хитах того времени возвращаются электрогитары и живые ударные.

В 2000-х он работает с Pink, Кэти Перри и Селин Дион, в 2010-е изобретает новые грани уже полностью изобретенного жанра с Тейлор Свифт, Ланой дель Рей и добавляет поп-музыке немного ностальгии с The Weekend.

Последние двое при участии Мартина объединились для записи одной из самых красивых баллад последних лет.

Формула успеха Макса Мартина

Бритни Спирс рассказывала (и это подтверждали другие исполнители), что демоверсии всех своих хитов Макс Мартин поет сам и заставляет исполнителей петь их точно так же. Но главное не это.

«Просто я любопытный, — объяснял Мартин причины своего успеха. — Если 200 млн человек что-то любят, я пытаюсь понять почему. Это почти наука для меня, я каждый раз пытаюсь взломать этот код».

Продюсер Бобби Овсински проанализировал хиты Мартина и обнаружил, что они подчиняются одному и тому же набору правил. Вот лишь первые три:

  • Мелодия — это самое главное. Мартин сначала пишет мелодию, и только потом у песни появляется текст, что идет вразрез с общим опытом.
  • Текст подчинен одной цели — поддерживать мелодию, и не обязан иметь какой-то смысл. Ссылаясь на людей, сотрудничавших с Мартином, Овсински утверждает, что тексты его песен подчиняются строгим правилам — в каждой строчке присутствует определенное количество слогов, а следующая строчка является зеркальным отражением предыдущей. Даже если ради этого приходится жертвовать смыслом и содержанием.
  • С припевом тянуть нельзя, он должен начинаться не позже 50-й секунды и иметь контрастирующую с основной мелодию. В большинстве его хитов от трех до четырех мелодических частей.

Сам Мартин называет свою концепцию «мелодическая математика». Как он пришел к этим идеям?

В интервью Guardian он рассказал, что рос на музыке The Beatles, ABBA и Элтона Джона, еще не зная английского языка. Поэтому слова имели для него лишь фонетический смысл — важно было, насколько красиво они звучат, а не что они значат. Он так и придерживался этого принципа.

«Я чувствовал что-то, слушая эту музыку, она что-то значила для меня. Если у вас есть отличный текст, который еще и звучит хорошо фонетически, вы просто в золоте, — говорит Мартин. — Но так же круто, когда вы написали песню, людей она эмоционально трогает, хотя они и не понимают, о чем это. Для меня это не менее сильно».

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: